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Dio, quanto vorrei poter scrivere un libro sul trionfo di una dieta dimagrante e su come ho imparato a convivere con i miei demoni. Quanto vorrei poter scrivere un libro sulla pace che provo e il bene assoluto che mi voglio, qualunque sia la mia taglia.

Questa non sarà una vera e propria recensione, perché Fame non racconta una storia che possa essere giudicata. La storia è quella dell’autrice, Roxane Gay, e del suo corpo, un corpo grasso che nessunə vuole vedere e tuttə vogliono guarire senza essere dispostə a considerare che ciò che sappiamo noi potrebbe non essere l’unica verità importante.

Fame è un libro che si ascolta, in silenzio, e lo si ascolta anche se avete a che fare con il cartaceo o l’ebook e non con l’audiolibro. Leggere Fame è come avere Gay davanti a voi che vi racconta la sua storia, senza indulgenza e senza autocommiserazione. L’unica cosa che vi viene chiesto di fare è ascoltarla adesso che finalmente ha trovato le parole, e il coraggio, per mettere nero su bianco la sua storia.

Fame è un libro che fa male (davvero tanto male) e che non ha paura di andare in posti bui e oscuri che mai vorremmo vedere; è un libro che parla di invisibilità di corpi pur così visibili; è un libro che parla di amore e affetto al di là di ogni barriera. Fame è un libro difficile: smaschera un sistema del quale facciamo tuttə parte, che trova accettabile schiacciare le persone che non rientrano tra le fortunate. E fa schifo.

Questo è un libro sul mio corpo, sulla mia fame e, in ultimo, sullo scomparire e perdersi e voler essere visti e capiti, volerlo con tutte le proprie forze. È un libro sull’imparare, anche lentamente, a concedersi di essere visti e capiti.

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Questo romanzo ha attratto la mia attenzione perché racconta una parte della storia della Germania nazista meno conosciuta ed esplorata: la guerra alle cosiddette arti degenerate, tra le quali il jazz, e la condizione delle persone nere, finite anch’esse nei campi di concentramento.

Lo trovo un libro appropriato alla Giornata internazionale del rifugiato, visto che racconta di quanto possa essere terrificante stare in un Paese senza documenti, con al potere un regime che ti è ostile e con la paura costante di essere arrestato e di fare una brutta fine, senza che nessunə finisca per sapere più nulla di te.

Il romanzo è diviso in sei parti, ambientate alternativamente nel 1939/1940 e nel 1992 e racconta la storia di un gruppo jazz dal punto di vista di Sid, forse il suo membro meno talentuoso. Si tratta di una storia dolorosa e proprio per questo sono rimasta spiacevolmente colpita dal fatto che non mi abbia trasmesso granché.

Penso che il problema sia risieda nel fatto che Edugyan abbia mancato il centro del bersaglio nel tentativo di colpirne più di uno con una sola freccetta. Ci sono un sacco di temi, infatti, dai cosiddetti “bastardi di Renania” al jazz, dalla disumanizzazione alla violenza istituzionalizzata, ma nessuno di questi occupa abbastanza spazio da avere la forza di colpire duro chi legge.

Ci sono delle parti interessanti, ma gran parte del romanzo mi è sembrato poco incisivo: ciò non lo rende brutto, ma lo fa rientrare in quelle lettura tranquille senza infamia e senza lode.

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Questo romanzo è stato una scoperta eccezionale, sia dal punto di vista della storia d’amore narrata, sia per il mondo fantastico dove ci porta e anche per le tematiche trattate. Praticamente gli unici difetti che ha è che è troppo breve (anche se questo non lo rende in alcun modo sbrigativo… è lungo esattamente quanto la storia richiede che lo sia) ed è autoconclusivo, quindi alla fine dobbiamo salutare a malincuore Belimai e Harper…

Spietati Gentiluomini - che è formato da due storie brevi interconnesse, una con il punto di vista di Belimai, l’altra con quello di Harper - ci porta in un’ambientazione cupa e in un mondo fantastico dove i prodighi, discendenti dei diavoli dai quali hanno ereditato poteri particolari, unghie nere e una certa insofferenza per la luce solare, vengono discriminati, sfruttati e perseguitati dall’Uffizio dell’Inquisizione di Brighton, che non esita ad arrestarli e torturarli spietatamente per ottenere le confessioni desiderate.

Ginn Hale è molto parca con le informazioni sul suo mondo fantastico, ma ha la rara dote di non aver bisogno di sommergerti di dettagli per portarti dove vuole: già l’incipit è talmente accattivante che sarete prontə a darle l’anima; aggiungeteci due protagonisti dai caratteri complicati e sarete persə proprio!

Belimai è un prodigo ed è ben lungi dalla bontà e dalla perfezione: dipendente da una droga chiamata oforio e rifiuta caparbiamente di essere salvato, vedendo in tutti i buoni samaritani nei quali si è imbattuto solo gente ipocrita in cerca di un proprio tornaconto. Harper, al contrario, è buono e cerca disperatamente di fare la cosa giusta e salvare le persone: fa parte dell’Inquisizione, nella quale è entrato per motivi tutti suoi personali, e ha una famiglia interessante.

Riuscite a vedere le scintille che potranno fare Belimai e Harper insieme? Ne faranno, ma non nella maniera classica alla quale siamo abituatə. Non aspettatevi grandi dichiarazioni d’amore: è un fantasy molto realistico da questo punto di vista. Sono due personaggi che si piacciono, ma vivono una realtà complicata e potenzialmente letale, oltre al fatto che Belimai ha un caratterino niente male: non c’è spazio per i cuori e i fiori e forse proprio per questo questa storia è così bella.

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«Ma abbiamo quindici anni! Che cosa possiamo fare?» «Possiamo prepararci, questo è quel che c’è da fare adesso. Tenerci pronti per ciò che succederà, pronti a sopravvivere, a continuare a vivere dopo. Concentrarci su come sopravvivere, così che possiamo fare qualcosa di più che restare in balia di gente pazza e disperata, di teppisti e leader che non sanno quello che fanno!»

La parabola del seminatore è uscito per la prima volta nel 1993, ma sembra parlare direttamente a noi abitanti del mondo nel 2018. Lo straordinario potere della letteratura…

«Sei così giovane» ha mormorato. «Mi pare un crimine che tu debba essere così giovane in questi tempi terribili. Vorrei che avessi conosciuto questo paese quando era ancora salvabile.» «Può sopravvivere, anche se cambiato» ho ribattuto.

Il mondo di Lauren Olamina, la nostra protagonista, è in pezzi e in fiamme: non si crede più neə proprə rappresentanti politici; in pochə votano; ə figlə, quando riescono a trovare un lavoro, si ritrovano più poverə dei genitori e con nessuna prospettiva di un futuro migliore; se si è fortunatə, si vive in piccoli centri circondati da mura e sorvegliati da ronde in modo da proteggersi dalle incursioni di chi non ha nulla o dagli attacchi deə pericolosə dipendenti da piro, una terribile droga che spinge le persone ad appiccare incendi per godendosi la vista della distruzione. Paurosamente familiare, vero?

La maggior parte della gente non ne può più dei politici. Dopotutto, fin da quando riesco a ricordarmi, ci promettono il ritorno alla gloria, alla ricchezza e all’ordine del ventesimo secolo.

Lauren è stanca delle illusioni di chi la circonda e questo l’ha fatta entrare in crisi: non riesce più a credere nel Dio del padre, il Dio cristiano e inizia a interrogarsi sull’esistenza di una divinità e sulla sua natura. Da atea coriacea che trova mortalmente noiosi i percorsi spirituali che finiscono in altrettanto noiose verità assolute posso dirvi che quello di Lauren è stimolante e difficilmente lascia indifferenti.

Se sono tuoi, stabilisci tu le regole. A chi importa che cosa ne pensano i giocattoli? Spazza via l’intera famiglia di un giocattolo, poi dagliene una nuova. I bambini giocattolo, come i figli di Giobbe, sono intercambiabili. Forse Dio è una sorta di grande re che gioca con i suoi giocattoli. Se le cose stanno così, che differenza fa se settecento persone vengono uccise in un uragano o se sette ragazzini vanno in chiesa e vengono immersi in una grande tanica di costosa acqua? Ma se tutto questo fosse sbagliato? Se Dio fosse tutt’altra cosa?

Lauren, incapace di accettare passivamente le soluzioni più ovvie e battute e i sogni di un benessere ormai svanito, sarà l’unica in grado di reagire in maniera costruttiva alla catastrofe e a fare da catalizzatore per raccogliere a sé il nucleo di un nuovo gruppo di persone dove si riaccende la speranza per il futuro.

La gente che annega a volte muore lottando contro i soccorritori.

È stata una lettura importante, soprattutto fatta in questo momento: è vero, riconoscere il proprio mondo tra le pagine di un romanzo distopico è sempre spaventoso, ma La parabola del seminatore ci lascia con una grande fiducia che si possa costruire qualcosa di nuovo e diverso.

La civiltà è per i gruppi ciò che l’intelligenza è per gli individui. È un modo per combinare l’intelligenza di molti e raggiungere un costante adattamento di gruppo. Come l’intelligenza, la civiltà può servire bene, servire in modo adeguato, o non servire affatto alla sua funzione di adattamento. Quando la civiltà fallisce, deve disintegrarsi, a meno che non intervengano forze unificatrici interne o esterne.

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L’ultimo amore di Baba Dunja è un breve romanzo delizioso ambientato a Černovo, uno dei paesi evacuati in seguito al disastro nucleare di Černobyl' nel 1986. Baba Dunja, la nostra protagonista, passati alcuni anni dal disastro, ha deciso di ritornare nel paese natio, incurante delle radiazioni e della preoccupazione della figlia, medico in Germania.

È difficile non amare Baba Dunja – la sua simpatia, la sua gentilezza, la sua tenacia ce la rendono immediatamente vicina. Chi ha avuto a che fare con una persona anziana riconoscerà in Baba Dunja quella voglia caparbia di passare gli ultimi anni della propria vita nel modo in cui si è scelto, anche se questo modo è assolutamente incomprensibile a chi è più giovane.

È un romanzo che fa bene al cuore e ha un sapore buono, di quel buono autentico e genuino del quale sembriamo dimenticarci ogni giorno di più. Sarà per questo che Bronsky ha creato un’ambientazione che, pur radicata in un evento drammatico della storia europea, sembra posta al di fuori del tempo? Cosicché potessimo ritrovarla in qualunque momento?

L’unico difetto che sono riuscita a trovargli riguarda il calo della tensione narrativa: dopo un inizio fulminante (uno dei più accattivanti che abbia mai letto), nella seconda metà (e nonostante accada l’impensabile) il ritmo rallenta e l’interesse di chi legge ne risente un po’. Però vale sicuramente il vostro tempo: mica volete perdervi la conoscenza del gallo Konstantin?

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Nel presentare l’opera, Rizzoli mi aveva avvertito che avrei avuto tra le mani una graphic novel dai disegni dettagliati fino all’inverosimile, ma devo dire che Taniguchi mi ha sorpreso lo stesso: ogni disegno sembra un quadro e all’interno dell’opera potete trovare la stessa cura che potete ammirare sulla copertina, fatti salvi i colori.

In una lontana città è una storia sulle vie sbagliate che a volte intraprendiamo nella vita quando non riusciamo più a vedere bene e con obiettività la nostra situazione. Il protagonista, Hiroshi, e la sua famiglia si sono persi e Taniguchi usa l’espediente narrativo del viaggio nel tempo (e nello spazio) per esplorare questa frattura – com’è nata, dove si espanderà, che conseguenze potrebbe avere.

Taniguchi non è interessato a puntare il dito ed elargire premi e punizioni: In una lontana città è una graphic novel molto umana, molto comprensiva e compassionevole nei confronti dei nostri sbagli: nessun@ nasce con il libretto delle istruzioni per i rapporti umani e capita che le cose non vadano bene e facciano male. Tanto, tanto male – quanto la storia di Osawa Tamiko, breve, intensa e indimenticabile.

Vi consiglio davvero tanto di leggere quest’opera che così garbatamente ci mette davanti alle nostre debolezze, cercando di indicarci la via migliore da seguire, ma senza condannarci qualora ci perdessimo (o ci fossimo già persi) comunque.

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Se avessi letto questo romanzo per sostenere un esame di comprensione del testo, sarei fregata: è costruito in maniera così confusa che non scherzo dicendo che c’ho capito poco o niente e che non sarei assolutamente in grado di spiegarlo a chicchessia…

Il problema principale de L’Ordine della Spada, infatti, è proprio la costruzione dell’intero romanzo: pare che l’editor fosse in vacanza quando De Winter ha presentato il suo lavoro a Fazi, altrimenti io non mi spiego come sia possibile la presenza di così tante scene inutili ai fini della storia. C’è davvero un quantitativo abnorme di pagine superflue che annacquano la storia, vanificando qualunque tentativo di colpo di scena o suspense.

Un esempio lampante si ha quando Ashton, un antico vampiro, dice a Eloise, la nostra protagonista umana, di aver bisogno del suo aiuto per fare qualcosa, ma noi non scopriremo in cosa consista questo aiuto per decine di pagine – e nel frattempo i due se ne vanno in giro a fare cose, senza che chi legge abbia una vaga idea del perché. Ecco, questo è un po’ l’andazzo del romanzo…

Un altro problema importante è la definizione del world building: non sembra che De Winter ci tenga a farci sapere come funziona il mondo fantastico da lei creato. Per esempio, qualcun@ ha capito che diamine è il Presidio? Ho capito che non è ben frequentato, ma per il resto è un enorme mistero… Ci sono anche questi Frati Neri, queste strane nebbie, vampiri e demoni a caso e poteri assortiti che non si capisce bene come funzionino… insomma, una gran confusione.

Tutto questo caos, poi, è tenuto insieme da uno stile barocco che ammetto non essere uno dei peggiori che abbia letto nella mia vita, ma è capace di tirare fuori cose come sguardo friabile come foglie secche e doloroso come strapparsi una lama dal petto (chi di noi non si strappa ogni giorno lame dal petto, è una sensazione ben conosciuta, no?).

Comunque, avremmo potuto ancora salvare la situazione se l’autrice ci avesse regalato dei buoni personaggi: invece, nemmeno su questo fronte posso dare un parere positivo. Innanzi tutto mi ha messo un sacco a disagio leggere di questa ragazza, Eloise, circondata da ragazzi che, a vario titolo, le ronzano intorno, flirtano con lei, la proteggono e via dicendo, senza dirle perché lo fanno, come se fosse un’ape regina che deve adempiere ai suoi compiti senza fiatare e accettare l’ingerenza altrui come normale.

E i suoi rapporti con questi ragazzi pronti a immolarsi per lei sono tutt’altro che idilliaci: la prendono, la strapazzano, la strattonano, le mentono, fanno sì di chiuderla in una cella… ordinaria amministrazione, insomma. Vi lascio un esempio di interazione tra Eloise e Axel, che dovrebbe essere il suo Vero Amore™:

La trascinò davanti alla larga specchiera che sormontava una cassettiera e tenendola per le spalle la obbligò a vedere quello che anche lui aveva visto. Scarmigliata e pallida, con le lacrime secche sulle guance, il vestito e il mantello impolverati, le mani ferite. La scrollò lievemente e nella forza contenuta di quelle mani Eloise avvertì il freno che lui si era imposto per non scuoterla fino a farle battere i denti. La tenne così, ferma contro il proprio petto, le mani che le affondavano nelle spalle come se volessero raggiungere le ossa.

Un amore, vero? E non è l’unico caso in cui la violenza è normalizzata: uno degli elementi che mi hanno lasciato più perplessa nel world building è stata la presenza del bullismo nella scuola frequentata da Eloise&co. De Winter fa candidamente dire ai suoi personaggi che nella scuola si bullizzano le matricole perché così imparano l’umiltà, soprattutto se vengono da famiglie ricche e altolocate (per poi affermare che le persone, se erano stronze prima, tali rimangono… viva il metodo scientifico!).

Insomma, a dispetto della valanga di ottime recensioni che ho trovato su Goodreads, ho trovato questo romanzo davvero tremendo e, se fossi in voi, gli girerei alla larga: anche perché è lungo quasi settecento pagine e posso assicurarvi che se ne sente tutto il peso...

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Dopo aver postato citazioni su citazioni (soprattutto su Twitter) in corso di lettura, finalmente ho finito I Quaranta Giorni del Mussa Dagh e riesco a postarne la recensione giusto, giusto nel giorno in cui si commemora il genocidio degli armeni, che costò la vita a un milione e mezzo di persone tra il 1915 e il 1916.

Franz Werfel ha scritto un romanzo poderoso su una vicenda particolare del genocidio degli armeni, cioè la storia della popolazione di sette paesi (circa cinquemila persone) che si rifugiò sul Mussa Dagh e si oppose alla deportazione, resistendo appunto quaranta giorni all’offensiva dell’Impero Ottomano e finendo per essere in gran parte salvata da una nave francese.

Non vi so dire quanto I Quaranta Giorni del Mussa Dagh rispetti gli eventi storici: sicuramente, ci sono ampie parti molto romanzate ed è un’opera di largo respiro che credo, nella mente di Werfel, volesse ridare dignità umana a un popolo sul quale si era infierito in maniera così crudele e disumana. In questo senso, la storicità passa in secondo piano rispetto all’epicità, all’idea che un gruppo di umani oppressi, se lo desidera davvero, può unirsi e resistere contro un oppressore tanto più potente e ben equipaggiato.

Questa epicità la fa da padrona anche nella caratterizzazione dei personaggi, che più che concentrarsi nelle sfaccettature del singolo cerca di dipingere la varietà umana riscontrabile in ogni gruppo, facendo sì che ogni personaggio, anche quelli meno gradevoli, un po’ ci assomigli. In questo modo si segue con trepidazione le storie particolari di tuttə, le quali formano il puzzle della complessità umana.

L’ho trovato un gran romanzo, uno di quelli che, nonostante la mole, leggi con disinvoltura, macinando pagine su pagine senza neanche rendertene conto.

«Riflettiamo! In quest'ora milioni di uomini in tutto il mondo stanno nelle trincee come noi. Aspettano la battaglia o combattono, sono feriti, muoiono, come noi. Questo è l'unico pensiero che mi calma e mi conforta. Quando penso a questo, non sono peggiore, non sono più vile di uno di quei milioni. E così come me, tutti noi! Se combattiamo, non siamo più fango che imputridisce in qualche campo lungo l'Eufrate. Se combattiamo, abbiamo onore e dignità. Perciò non possiamo vedere null'altro davanti a noi né volere null'altro che la battaglia».

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Quest’anno J.R. Ward, prima dell’uscita del sedicesimo volume della saga (The Thief, che ho già recensito perché sono wild e ho deciso di ignorare l’ordine cronologico…), ci ha deliziato con l’uscita di una storia breve – Dearest Ivie appunto – incentrata su due personaggi che non avevamo mai incontrato, Silas e Ivie. Non fanno parte della Confraternita o del suo entourage, per così dire, ma… chissà. Come dice sempre Ward quando le fanno qualche domanda troppo curiosa… keep reading!

L’aspetto che ho amato di più in questa storia breve è l’idea che il lieto fine non arrivi standolo ad aspettare e che non sia idilliaco come ce lo aspetteremmo. È un tratto abbastanza distintivo di questa serie (e uno dei motivi per i quali è così apprezzata): anche quando interviene l’elemento che permette a due personaggi di stare insieme, questo non porta mai alla perfezione idilliaca, all’ideale maschile o femminile tipico del romance, ma ogni tipo di diversità viene accolto con amore nella coppia invece di essere cancellato a colpi di fantasy.

Ci sono tanti esempi di disabilità fisica o malattia mentale nel corso della serie e Ward si muove sempre molto bene nel definirle, senza tratteggiarle come limiti alla piena realizzazione del personaggio, ma senza neanche nascondere le difficoltà che certe condizioni possono comportare per una persona e quindi per una coppia. A dispetto del genere letterario, insomma, c’è molto realismo.

Silas e Ivie si incontrano in un brutto momento della vita del primo e, per quanto breve, Ward ha scritto una storia capace straziarci l’anima e di farci adorare Ruhn ancora una volta – sul serio, conosciamo questo personaggio da pochissimo e già lo amiamo come se fosse Wrath, che ormai ci fa compagnia da più di dieci anni!

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Death by the Riverside è un giallo un po’ atipico, principalmente perché non si presenta come tale: inizia con incarico abbastanza semplice per la nostra protagonista, la detective privata Micky Knight, ma serve a noi per conoscere questa ricchissima famiglia, gli Holloway, dai traffici poco puliti. Il romanzo, poi, ci mette parecchio ad arrivare all’indagine vera e propria, che si rivelerà comunque avara di attività investigativa.

Questa lentezza nel portare avanti la trama del giallo, ci permette di fare conoscenza con Micky Knight, una donna con scarsi mezzi finanziari, una gatta di nome Hepplewhite, un’insana passione per lo Scotch e poco incline alle relazioni a lungo termine. Sappiamo che ha un passato tragico (e nel corso del romanzo scopriremo quanto) e una zia bigotta e intollerante che l’hanno resa poco indulgente nei confronti del perbenismo, del razzismo e dell’omofobia.

Quindi nel romanzo non manca un’attenzione speciale alle tematiche queer e femministe: in particolare, queste ultime di sostanziano nel demolire l’ideale dell’uomo etero salvatore della pulzella. In Death by the Riverside non solo Micky è capace di salvarsi da sola, ma il tipico bravo ragazzo alla prova dei fatti si dimostra il personaggio più mediocre del romanzo. Forse anche troppo: oggi probabilmente preferiremmo una critica più sottile, ma è un romanzo del 1990, quindi glielo si perdona volentieri (soprattutto sapendo che gran parte degli uomini cis, allo ed etero ancora si crogiolano nei loro sozzi privilegi).

Probabilmente è un romanzo che farà storcere il naso ai puristi del genere: troppo focalizzato sulle vicende personali della protagonista e delle sue amiche/amanti e poco sugli intrighi e i misteri da risolvere. A me è piaciuto anche per questo e penso che sarebbe ottimo materiale per farne una serie tv (chi di dovere noti questa serie, grazie!).

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La prima cosa da dire di Un insolito triangolo è che uno dei protagonisti (Bear, per la precisione) è demisessuale omoromantico, anche se non c’è scritto da nessuna parte nel libro (mi riservo di dire se verrà fuori nel prossimi libri della serie, che non ho ancora letto). Di solito è una cosa che mi manda in bestia: le etichette esistono per essere usate e là fuori ci sono molte persone in cerca di modelli positivi. Tuttavia, non posso avercela con Klune perché nel lontano 2011, quando il libro è uscito per la prima volta, non aveva ancora fatto coming out come asessuale e magari voleva evitare domande invadenti.

La seconda cosa è che Un insolito triangolo farà impazzire chi ama i romance pieni di pensieri angosciosi e avvolti su se stessi: Bear ne è campione mondiale. A tratti è un po’ pesante da leggere, ma secondo me ci sta per come è costruito il personaggio e per il suo background. È più fastidiosa la perfezione di Otter, l’altro protagonista, che deve controbilanciare l’ansia e il panico costanti di Bear.

La terza cosa riguarda le similitudini tra Un insolito triangolo e Shelter, film del 2007, del quale vi avevo scritto tempo fa. Non si può negare che le similitudini ci siano, ma da qui a dire che Klune ha copiato mi sembra un’esagerazione. Si tratta di elementi comuni a moltissime storie d’amore: se iniziamo con questa pignoleria, dovremmo accusare di plagio probabilmente il 90% delle storie d’amore raccontate sul pianeta Terra.

Infine, volevo rassicurarvi sul fatto che i due protagonisti non si chiamano davvero Orso e Lontra: sono i tipici soprannomi simpatici che ti si appiccicano addosso e che nella tua cerchia familiare e amicale continueranno a essere usati fino alla morte. Meno male non sono stati tradotti in italiano, perlomeno fanno un po’ meno strano!

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Bruce Brenda e David è un libro importante che, dopo l’articolo uscito per Rolling Stone sempre a opera di John Colapinto, mirava a rendere noto al grande pubblico una delle conseguenze più drammatiche della teoria della neutralità di genere, sviluppata da John Money.

Questa teoria, ormai dimostrata erronea, sosteneva che l’identità di genere dipendeva dal contesto sociale nel quale è immerso un soggetto e quindi, se si interveniva entro finestre temporali ben precise, poteva essere cambiata a piacimento a colpi di imposizioni, interventi chirurgici e ormoni

Già a leggerla così oggi ci fa rabbrividire e saperla messa in pratica su David (e altr bambin come lui o intersessuali), già vittima di un’inutile circoncisione finita male per un errore medico, è raccapricciante, soprattutto se consideriamo che c’erano già delle perplessità sulla veridicità di questa teoria e sul suo rispetto del metodo scientifico. In questo senso, Bruce Brenda e David è un libro importante e vorrei che diffondesse il più possibile la storia di David.

Tuttavia, non mi sento di consigliarne la lettura a chiunque perché a più riprese nel corso del libro si fa confusione tra identità di genere, sesso, ruoli e espressioni di genere e addirittura orientamenti sessuali. È una confusione che è dovuta al fatto che la vicenda di David inizia negli anni Sessanta, quando non si facevano questo tipo di distinzioni (perlomeno, non nel modo in cui le percepiamo noi oggi) e che potrebbe confondere chi legge se non ha ben chiaro cosa si intenda adesso per identità di genere, sesso, e via dicendo.

Purtroppo Colapinto non affianca alla mole di documenti, trascrizioni e interviste citate una lettura critica di quanto vi viene detto (se non un evidente, ma alquanto generico, “la teoria di Money non stava funzionando”). Non è stata del tutto colpa di Colapinto, visto che il libro è uscito nel 2000, in un momento in cui la scienza medica stava abbandonando la teoria di Money e si stava incamminando nella direzione che ci ha portato dove siamo oggi e che può essere riassunta dall’affermazione del dottor Reiner citata nell’ultimo capitolo di Bruce Brenda e David: «il più importante organo sessuale non sono i genitali; è il cervello».

Credo che questa confusione sia anche il motivo per il quale Bruce Brenda e David è arrivato in Italia grazie a Edizioni San Paolo: è facile vedere in questo libro ciò che non dice, cioè che l’identità di genere assegnata alla nascita è indubbiamente quella corretta. Purtroppo per le persone fanatiche, esistono anche individui intersessuali e transgender e impuntarsi a costringerli nel genere che voi pensate sia quello giusto significa perpetrare la stessa violenza che Money e il suo staff hanno imposto a David.

Quindi, se avete intenzione di leggere questo libro (che comunque rimane un’importante testimonianza dei drammi ai quali si può andare incontro quando si sacrificano metodo scientifico e interesse per il benessere delle persone all’altare del proprio ego), vi consiglio di maneggiarlo con cura, approcciandovi ad esso con una buona conoscenza delle questioni inerenti all’identità di genere.

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Nello spulciare la mia LdLdL in cerca di un libro per bambini pubblicato prima del 1980 per la 2018 RHC, mi sono imbattuta in Bibi. Una bambina del Nord, che uscì per la prima volta nel 1927. Onestamente, non mi aspettavo niente di memorabile, solo di passare un po’ di tempo in compagnia di un buon libro per bambini.

E invece, ho scoperto un piccolo gioiello. Bibi. Una bambina del Nord è un romanzo, primo di una serie, pieno indipendenza, spirito di iniziativa e umanità: bonus, la protagonista è una bambina e si sente un certo aroma di femminismo mentre si legge. Considerato tutto questo, mi sorprende molto apprendere che questo romanzo è arrivato per la prima volta in Italia durante l’epoca fascista: infatti, per quanto possano aver tagliato delle parti (come ci riferisce la traduttrice, Eva Kampmann, in una nota a questa edizione), l’intera storia è quanto di meno fascista ci si possa immaginare!

Bibi, infatti, è una bambina che non sottosta ad alcun potere autoritario: né quello del padre (con il quale ha un rapporto molto positivo e paritario), né quello della scuola, né quello dello Stato (che, tramite i poliziotti, non fa una bella figura). Nemmeno i suoi nonni conti appaiono in una luce proprio positiva: sembrano in tutto e per tutto convinti che il denaro possa sistemare ogni cosa e comprare ogni diritto.

Per contro, Bibi. Una bambina del Nord esalta il valore della libertà, della bontà, della condivisione, dell’amore per gli animali, del rifiuto della violenza e dell’imposizione: è un romanzo troppo positivo perché ve lo lasciate scappare (se poi riuscite a consigliarlo/regalarlo/passarlo a qualche piccol* essere umano, tanto meglio!).

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Adua è un romanzo fatto di immagini e sensazioni: più che raccontare la situazione attuale dei migranti (o, comunque, quella di qualche anno fa) nel nostro Paese e delle violenze colonialiste perpetrate dall’Italia nel Corno d’Africa durante il fascismo, cerca di mostrarcele e farcele sentire.

In questo senso, Adua è un romanzo riuscito: nelle sue pagine, ci sono speranze, delusioni, regressioni, inganni, violenze e tradimenti e tutto arriva con immediatezza, senza darti la possibilità di rimanere indifferente. Tuttavia, durante la lettura mi sono chiesta se queste immagini potessero colpire chiunque allo stesso modo. Ovviamente, parlando in generale, la risposta dovrebbe essere negativa: siamo persone diverse e rimaniamo colpite da narrazioni diverse. Nello specifico di questo romanzo, però, mi sono chiesta se non richiedesse troppe informazioni pregresse alla lettrice e al lettor* non tanto per essere compreso, ma per dare la giusta forza alle immagini e alle sensazioni che vuole trasmettere.

È stata una precisa scelta dell’autrice quella di non soffermarsi sulle vicende storiche («volevo trasformare gli eventi storici in emozioni, visioni, vissuti» dice Scego nella Nota storica), però nella pressoché ignoranza italiana di quella vergognosa pagina della nostra storia non so quanto sia stata una scelta felice. È vero che una persona può sempre andarsi a informare dopo aver letto il romanzo, ma lo farà se il romanzo stesso non l’ha colpita come avrebbe fatto dando più informazioni? Boh, il cane che si morde la coda…

È comunque un libro che ho apprezzato tanto e che mi ha tenuto incollata alle pagine fino alla fine e che mi ha fatto venire voglia di leggere altro di Scego – e anche tanta altra letteratura post-coloniale italiana, che spero l’immigrazione dal Corno d’Africa e dalla Libia renda un genere in espansione: così magari la finiremo di nascondere questa parte della nostra storia...