Recensioni e commenti

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Buon Natale, prodi seguaci!

Oggi vi scrivo di un’altra parodia Disney, quella di Canto di Natale: è comparsa per la prima volta il 19 dicembre 1982, circa un anno prima che fosse distribuito il celeberrimo Il canto di Natale di Topolino. Tra le due opere, in effetti, ci sono delle affinità, come Paperone nei panni di Scrooge e Paperino in quelli di Fred, suo nipote. Tuttavia, sono presenti anche delle discontinuità: Bob Cratchit non è impersonato da Topolino, mentre il fantasma di Marley è Rockerduck. Anche a livello narrativo ci sono delle differenze: all’inizio, l’egoismo e l’avarizia di Paperone-Scrooge sono decisamente più evidenziate (così come la sua redenzione finale) e il piccolo Tim non compare, sebbene ci venga mostrata la famiglia di Cratchit.

Poi abbiamo Paperino e il Canto di Natale, che non ha niente dell’opera di Dickens se non la volontà di Paperino di diffondere lo spirito nel Natale. Non gli andrà benissimo: cantare a squarciagola (e forse anche in maniera stonata) canti di Natale sotto le finestre altrui non è proprio il modo migliore, in effetti…

Paperino e la fiaba natalizia entra in questa raccolta per l’incontro di Paperino e i tre nipotini di una famiglia povera, in seguito a una delle pessime idee per le quali il nostro antieroe preferito è famoso. Come la precedente storia, non è che sia poi chissà quanto impressiva…

Infine, completa questa racconta Il ritratto di Zio Paperone, parodia de Il ritratto di Dorian Gray: la sua presenza è meno strana di quello che sembra, visto che il tema centrale non è la giovinezza, ma l’avarizia. L’ho trovata una parodia davvero ben fatta, soprattutto per il motivo per il quale il ritratto cambia aspetto. L’ho trovata un’idea non meno interessante dell’elemento sovrannaturale di Wilde, visto che quell’imbruttimento era comunque dovuto all’avarizia di Paperone. Ovviamente nel finale, a differenza di Dorian Gray, Paperone la spunta (e ci guadagna pure!).

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Non so perché a quest’edizione Frassinelli sia stato dato questo titolo, visto che stiamo parlando di I Know Why the Caged Bird Sings, riportato fedelmente nella nostra lingua dalla nuova edizione BEAT (che propone, tra l’altro, la stessa traduzione che ho letto io), Io so perché canta l'uccello in gabbia. Oltretutto, stiamo parlando di un titolo che è un verso tratto da Sympathy di Paul Laurence Dunbar, quindi i motivi della decisione della CE italiana mi rimangono oscuri…

In ogni caso, quale che sia il titolo dell’edizione che riuscirete a procurarvi, vi consiglio caldamente di leggere questo romanzo, con l’avvertenza che contiene una delle scene di stupro più terrificanti che abbia letto nella mia vita.

Il canto del silenzio è un romanzo autobiografico e di formazione che ci racconta quante difficoltà aggiuntive possa incontrare una giovane donna nera nel percorso per diventare adulta. È un libro sugli assurdi privilegi dei bianchi, degli uomini, dei ricchi e di come le persone che non godono di certi vantaggi portino in sé i semi capaci di portarle a rivendicare il proprio spazio.

Se crescere è doloroso per una bambina nera del Sud, rendersi conto di essere fuori posto è la ruggine sul rasoio puntato alla gola. È un insulto superfluo.

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Paperino e il Signore del Padello, sceneggiato da Giorgio Pezzin e disegnato da Franco Valussi, è bellissimo e m’ha fatto morire dal ridere. Ho trovato davvero geniale il modo in cui è stato reso il potere del Padello/Anello e di come questo ne influenzi i portatori, Paperino e Tontopapero (alias Paperoga). Ben resa la riflessione tra destino scritto e autodeterminazione (ovviamente in lieve, ma non troppo, chiave Disney) e non vi dico che piacere possa trovare una fan di Tolkien come me a riconoscere tutte le citazioni all’opera originale!

Paperino Missione Bob Fingher, sceneggiato da Carlo Chendi e disegnato da Giovan Battista Carpi, inizia in maniera interessantissima, parodiando la segretezza che avvolge le spie alla 007, poi – non so – si perde un po’.

01 Paperbond in “Il caso delle perle rubate”, sceneggiato da Dick Kinney e disegnato da Al Hubbard, ha probabilmente come unico pregio quello di essere breve. È un fumetto piuttosto scialbo, in cui l’unico momento di brio è costituito da delle ostriche diventate aggressive a causa dell’ingestione accidentale di un elisir del coraggio...

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Piccolo Uovo. Maschio o femmina? fa parte della serie dedicata al personaggio di Piccolo Uovo, scritta da Francesca Pardi e illustrata da Altan. È diventata famosa in Italia per essere nella lista nera di gruppuscoli di fanatici terrorizzati da libri che insegnano a bambine e bambin* a non farsi schiacciare da stereotipi e pregiudizi.

In questo volume, Piccolo Uovo si chiede se sarà un maschio o una femmina, ma, indipendentemente dalla riposta a questa domanda, sa già cosa gli piacerebbe fare una volta nato. Così inizia un elenco di attività che Piccolo Uovo si immagina a fare da grande, da costruire una casa sull’albero a farsi bello con trucchi e gioielli, da cucinare a dirigere un’orchestra.

È un libro molto carino, molto semplice e molto colorato, in pieno stile Altan: potrebbe essere un bellissimo regalo per piccoli esseri umani e per chi ha a che fare con la loro educazione.

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Dopo quattro mesi di ascolto (per un totale di circa quaranta ore), ho finito di ascoltare il podcast di Ad Alta Voce dedicato al Decameron di Giovanni Boccaccio. Devo dire di essermi molto divertita ad ascoltare le cento novelle lette da vari attori e attrici e di aver trovato molto interessanti le spiegazioni sul testo.

La mia paura maggiore – quella di non riuscire a seguire bene l’ascolto a causa dell’italiano del Trecento – non si è verificata. Anzi, vista la bravura di lettori e lettrici è altamente probabile che l’abbia capito con molta più facilità di quanto non mi sarebbe successo a leggermelo da sola.

Mi sono anche molto divertita a twittare le mie impressioni a mano a mano che ascoltavo le novelle e ne è venuto fuori un thread molto lungo, del quale vi lascio il primo tweet qua sotto.

Ora, cosa dire di un mostro sacro come il Decameron? Ci sono due riflessioni che vorrei fare a fine ascolto.

La prima riguarda il vento di morale laica e modernità che inizia a soffiare dalle pagine del Decameron: magari nel Trecento (e per molto tempo a venire) erano concetti percepiti come minacciosi e scandalosi, mentre oggi sono il nostro pane quotidiano. Rimango sempre ammirata dalla capacità della letteratura di mettere nero su bianco il futuro, con le speranze e i pericoli che queste porta con sé.

L’altra riflessione che mi sento di fare è molto femminista. Il Decameron si apre con la dedica alle donne, per terminare con la novella più misogina dell’intera opera: perché? L’idea che mi sono fatta – non so quanto criticamente corretta – è che lo sconvolgimento portato dalla peste si sia esteso anche ai rapporti tra i generi maschile e femminile, che quindi gode di una maggiore libertà; tuttavia, passata la malattia, l’ordine costituito deve ritornare, così si torna a schiacciare le donne sotto il giogo della misoginia più brutale.

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Sono rimasta un po’ delusa da questo libro, che credo sia la prima (e per ora unica) cantonata che ho preso nello scegliere i libri per la 2017 Read Harder Challenge. Non penso sia del tutto colpa di Nick Bilton, ma questo non-fiction è invecchiato un po’ male.

Dico questo perché è un libro del 2010: sembra quasi impossibile, visto che stiamo parlando di un passato così recente, ma molte delle tecnologie (e servizi conseguenti) che oggi usiamo quotidianamente erano appena state introdotte, o addirittura non erano ancora nate. Per dire, gli smartphone e i tablet si sono sviluppati nei primi anni 2000, Spotify è del 2008, Netflix (per come la conosciamo oggi) del 2011 e così via.

Giusto per ribadire il concetto dell’invecchiamento precoce, vi dirò anche che in teoria Io vivo nel futuro doveva essere corredato di un’app e di contenuti ulteriori sul sito dell’autore, dei quali non c’è più alcuna traccia…

Il fatto è che è un libro focalizzato suglia aspetti positivi delle nuove tecnologie – il che andrebbe bene se non fosse che oggi siamo immersi in alcuni lati negativi nel 2010 appena accennati, ma adesso decisamente importanti. È un peccato, perché poi in Io vivo nel futuro ci sono anche informazioni interessanti, soprattutto su come gli esseri umani hanno fronte a cambiamenti così imponenti.

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Infedele è il resoconto di quanto una religione possa diventare nociva e dannosa per il benessere dei suoi fedeli e di coloro che, loro malgrado, vi gravitano intorno. La storia di Ayaan Hirsi Ali è piena di violenza e disprezzo per ogni diritto umano ed è una lettura molto difficile e penosa: quello che le è stato fatto appellandosi alla religione è assolutamente disumano e in nome di nessuna divinità dovremmo accettare simili abusi.

Tuttavia, credo sia molto difficile far cambiare idea alle persone in merito a questioni religiose e che un approccio troppo duro e inflessibile possa soltanto ottenere come risultato quello di radicalizzare le posizioni, peggiorando ulteriormente la situazione. Quando Hirsi Ali arrivò in Europa, la sua mente era già dubbiosa e ciò che vide e apprese in Olanda le fornì le risposte che cercava da tempo. Ma questa non è la posizione di partenza di chiunque: parecchie persone sono troppo convinte della giustezza di certe pratiche, mentre altre potrebbero avere dei dubbi ma essere troppo spaventate per lasciare le proprie convinzioni.

La religione e le idee a essa connesse fanno parte dell’essenza delle persone e nessuna ammette che qualcosa non vada a cuor leggero: c’è bisogno di molta riflessione e autoanalisi, condite con una sana dose di coraggio per mettere in discussione una parte così intima di sé. Non tutte sono disposte a farlo: quindi, mentre si ribadisce con forza la condanna a pratiche come le mutilazioni genitali e i matrimoni combinati, è necessario promuovere le posizioni più moderate e/o progressiste di personalità religiose importanti e diffondere una cultura laica che spinga per un’interpretazione dei testi sacri alla luce delle attuali conoscenze umane.

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Quali sono i motivi che spingono a scappare da uno stato totalitario come la Corea del Nord? Ci possono essere tante motivazioni, ma Hyeonseo Lee si ritrova fuori del suo Paese per il motivo più apparentemente frivolo che si possa immaginare: è giovane, incosciente e curiosa di sapere cosa c’è al di là del confine nordcoreano. Mentre in un paese democratico te ne vai a zonzo in un edificio abbandonato, pericolante e interdetto al pubblico, rischiando la vita in maniera piuttosto stupida, in uno totalitario lasci che la tua voglia di ribellione giovanile ti porti al di là del confine senza prendere particolari precauzioni. Evidentemente l’imprudenza che dimostriamo da giovani non ha confini…

Così, Lee scappa dalla Corea del Nord quasi per caso e durante la sua fuga ha diversi colpi di fortuna: della qual cosa ci rallegriamo, ma il pensiero corre a tutte quelle persone che invece sono state sfortunate e che sono adesso in qualche buco dimenticato a sperare di morire presto. Perché in certe circostanze la morte non è davvero il peggio che ti possa capitare…

Ho letto molte recensioni nelle quali si rimprovera Lee di peccare di troppa ingenuità e credo siano molto ingiuste. Lee era una ragazza cresciuta in un mondo con regole molto diverse da quelle che ha trovato poi nei vari Paesi toccati dalla sua fuga, era giovane e penso che durante queste vicissitudini a volte abbassi la guardia solo perché sei stanca di tenerla alta e vuoi fidarti solo per avere tregua e riprendere fiato.

La ragazza dai sette nomi è un’autobiografia dalla quale è difficile staccarsi finché non si arriva l’ultima pagina (ho fatto le due di notte per finirlo) perché si vuole un lieto fine per Lee e la sua famiglia, perché si vuol saperne di più di un regime così attento a lasciar trapelare poco di sé e perché si vuol capire quanto possa essere terrificante la libertà per chi non l’ha mai avuta.

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Pedro Páramo è uno di quei libri scarni dove ogni parola si trova là dove deve stare e forma un romanzo difficile da mettere giù finché non si è arrivat* alla fine. C’è un qualcosa di ipnotico nella prosa di Juan Rulfo, quasi come se fosse una formula magica lunga centoquaranta pagine.

E questa formula magica crea un luogo che è tipico della grande letteratura, quella che rimane immune o quasi al passaggio degli anni: si tratta di Comala, un paese messicano realmente esistente che Rulfo trasforma in un luogo-non-luogo dove il tempo si avvolge su se stesso fino a far coesistere passato e presente. Comala è dove tutto è già accaduto e al contempo deve ancora accadere, dove tutto è fissato eppure in continuo movimento, dove tutto è morto eppure ancora vivo. Comala è come un grande classico della letteratura: è ormai scritto, finito e legato a una certa epoca storica, eppure non ha smesso di vivere e raccontare la sua storia.

Pedro Páramo è davvero un romanzo notevole che consiglio a chiunque: oltre a fare largo uso del realismo magico che ormai associamo alla letteratura latinoamericana, Rulfo a volte sfocia nell’horror e nella storia di fantasmi, riuscendo a colpire con forza la nostra immaginazione con gli abitanti di un mondo devastato dall’arroganza e dalla prepotenza di Pedro Páramo, incurante dei diritti e del benessere di chicchessia tranne del suo proprio, un uomo spregevole che non ha esitato a violentare donne e ad appropriarsi delle terre altrui, un uomo capace di trasformare in un inferno il suo paese, un inferno capace di sopravvivere alla morte dei suoi protagonisti...

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Di cosa parliamo quando parliamo di libri è uno dei rari casi in cui il titolo inglese, Where I’m Reading From, è meno suggestivo di quello italiano, che cita una famosa raccolta di racconti di Raymond Carver, Di cosa parliamo quando parliamo d'amore. Inoltre, anche Di cosa parliamo quando parliamo di libri è una raccolta: non di racconti, ma di brevi saggi sui libri e su tutto ciò che gravita loro intorno.

È vero che non tutti i piccoli saggi di Tim Parks son riusciti con il buco, ma io vi consiglio tantissimo di leggere questo libro: affronta una serie di questioni – che ci si pone spesso e alle quali si danno sempre un po’ le stesse risposte – proponendo un punto di vista diverso e uno spunto di riflessione niente affatto banale. Il saggio dedicato al premio Nobel per la letteratura, per esempio, ha avuto una certa risonanza.

Il fatto è che Parks, oltre a essere un autore e traduttore, è anche un giornalista che scrive di libri: ha competenze tecniche che chi legge per piacere e poi butta giù due righe di opinioni in merito sul suo blog (come me) non ha e non è male dare una sbirciatina a fenomeni dei quali facciamo parte, spesso inconsapevolmente.

Certo, non c’è niente di male nell’apprezzare i celebratissimi Murakami o Franzen, ma nemmeno nell’avere una visione d’insieme di dove stia andando la letteratura e dove ci stia portando (perlomeno a noi lettrici e lettor*): per esempio, sono rimasta colpita dall’idea che uno scrittore appartenente a un Paese culturalmente lontano dal nostro debba sfrondare il suo libro di ogni caratteristica locale per poter sperare di avere un pubblico più vasto. Alcuni elementi, infatti, sarebbero comprensibili soltanto a chi ha un certo background (sociale, culturale, storico, e via dicendo) e questo renderebbe questi romanzi meno appetibili sul mercato internazionale. Di conseguenza, c’è da chiedersi se leggere letterature di altri Paesi in traduzione ci faccia davvero conoscere altre culture o sia solo un pretesto per rassicurarci…

Parks non dà una risposta alle questione che pone: l’idea di Di cosa parliamo quando parliamo di libri è più quella di aprire un dibattito e vedere quali soluzioni saltano fuori. Smettere di tradurre letteratura straniera perché tanto ci risulta incomprensibile? Non mi pare una via perseguibile. Si potrebbe inserire un’introduzione o qualcosa di simile dove si spiegano alcune peculiarità di una certa cultura che il pubblico al quale ci si rivolge altrimenti troverebbe oscure. Lieviterebbero i costi del libro? Non so.

L’unica certezza è che Di cosa parliamo quando parliamo di libri mette in moto le rotelle del cervello: il che è una buona cosa.

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Aaaaah, France, France… è sempre una garanzia: in venti paginette (tanto dura questo apologo, se non includiamo la Nota di Leonardo Sciascia, che ne è anche l’illustre traduttore), riesce a far arrivare a lettrici e lettor* il suo messaggio.

Devo confessare di essere arrivata in qualche modo preparata al finale perché conosco Anatole France e ho capito fin dalle prime pagine dove sarebbe andato a parare, e un po’ mi dispiace: sento come se mi fossi persa una parte della forza con la quale avrebbe potuto colpirmi.

Quindi, il mio consiglio, se non conoscete questo autore, è di iniziare proprio da Il procuratore della Giudea, visto che è facilmente reperibile nel catalogo di Sellerio (e, con i libri di France, la reperibilità nella nostra lingua non è proprio da dare per scontata).

Non voglio dirvi di più perché è una di quelle storie delle quali meno si sa e più ci si godono, ma spero di avervi incuriosito perché France è un autore abile a ricordarci concetti che di questi tempi non sembrano poi tanto diffusi...

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Questa raccolta di poesie è stato un lancio nel vuoto offertomi dalla 2017 Read Harder Challenge: si tratta del secondo volume di una serie di libri dedicati a poeti africani che hanno scritto componimenti contro l’apartheid e le discriminazioni razziali. I nomi sono diversi, divisi per nazionalità: in questo volume troviamo ventidue poeti da Angola, Benin, Burkina Faso, Burundi, Camerun, Repubblica Centrafricana, Sudafrica e Ruanda.

Come accade spesso in raccolte di questo tipo, ho trovato componimenti capaci di smuovere le coscienze su una tematica così importante e niente affatto archiviata, perlomeno nei suoi strascichi; altri, secondo me, non erano poi così incisivi.

Leggendo ho sentito la mancanza di qualche nota o spiegazione su quelle che sono le specificità della poesia nei vari Paesi: sapendo che alcuni di questi poeti non sono nemmeno su Wikipedia e che difficilmente riuscirò a mettere le mani su qualcos’altro scritto da loro, non mi sarebbe dispiaciuto un po’ di contesto…

Quindi, se vi capita di leggere questi libriccini, tenete conto che si tratta di assaggi di letterature alle quali siamo meno avvezz - perlomeno io, magari tra voi c’è chi è espert, che ne so, di letteratura angolana…

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Ci stiamo avvicinando a Halloween e quale modo migliore per festeggiarlo se non leggendo un libro sulle teste mozze? Sono certa che in questi giorni troverete ottimi consigli di lettura se volete leggervi letteratura horror, ma è davvero raro veder consigliata della saggistica in tema. Quindi, eccomi qua a scrivervi di Teste mozze.

Quando l’ho visto sul catalogo di UTET ho deciso che doveva essere mio, perché – dai – come diavolo si fa a resistere a un titolo così intrigante? Un libro sulle teste mozze – che cavolo ci sarà mai da dire sulle teste mozze!? E invece, il racconto di come gli esseri umani si sono rapportati alle teste mozze nel corso della storia ci permette di svelare degli insospettabili retroscena.

Per esempio, durante il colonialismo, non era inconsueto trovare signori europei disgustati dalla pratica di alcuni popoli di decapitare i nemici e di rimpicciolirne la testa. Eppure, questa pratica ebbe un impennata proprio per la smania di collezionare queste teste rimpicciolite da parte di quegli stessi azzimati signori – facendo sì che l’usanza si svincolasse dal suo significato rituale. Oppure, la storia della nascita della frenologia, alla base della moderna neuroscienza, che ci racconta del desiderio degli esseri umani di capire, con poche semplici misurazioni, le caratteristiche dei propri simili, per catalogarli in maniera incontrovertibile. Sfociata ben presto nella ricerca delle differenze tra le “razze” umane, gli scienziati rimasero fin da subito frustrati dalla vanità della ricerca – pure le teste mozze rifiutavano con pervicacia di essere divise in “razze”.

Le teste delle persone riuscivano sempre a mettere in dubbio in modo irritante le idee prevalenti riguardo alle gerarchie razziali. […] La razza si definisce in base alla nazione, alla regione, al paese, al sistema di credenze? Alla fine da qualche parte dovrai pur tracciare un confine, ma troverai sempre individui “simili” tra loro al di qua e al di là della linea.

Larson è molto brava, nonostante l’argomento si presti al grottesco, a mantenere uno stile sobrio e rigoroso, con giusto quella punta di ironia necessaria a rendere Teste mozze un libro estremamente interessante e godibile.

Noi diamo per scontato che il disgusto per queste brutali cerimonie di morte [decapitazioni] sia naturale e istintivo, ma non lo è. Anzi, non soltanto le esecuzioni pubbliche non erano poi così sconvolgenti per gli spettatori del medioevo, ma non turbavano granché nemmeno quelli del XVIII, XIX e persino XX secolo. A distinguerci, nel XXI secolo, è proprio l’empatia con la sofferenza del prossimo, nel quale ci identifichiamo con forza: ma è una differenza forse molto meno netta e salda di quanto vorremmo.

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Gli elementi che ho apprezzato di più in questa graphic novel sono l’uso dei colori e la rappresentazione della presa di consapevolezza di essere lesbica. Nel primo caso, ho trovato interessante accostare il colore blu, solitamente freddo, alla passione, per via del colore dei capelli della ragazza della quale Clémentine si innamora. Di conseguenza, le tavole dove c’è attrito tra di loro vertono sul giallo, mentre la somma del loro amore e del dolore ci presenta ambientazioni color verde. Una scelta interessante.

Per quanto riguarda l’accettazione di sé, ho trovato molto ben ricostruiti i dilemmi e le paure di Clémentine – ma anche quelle di Emma – riguardo ai suoi sentimenti e alle implicazioni del prendere certe decisioni.

Tutto il resto, invece, non mi è piaciuto minimamente. Il grande difetto di Il blu è un colore caldo è un’enorme superficialità, condita con una tale quantità di melodramma da risultare quasi insopportabile. Ci sono un sacco di tematiche – violenza all’interno di una coppia LGBTQIA+, omofobia, bullismo, tradimento – piazzate lì senza che gli venga dato il rilievo e l’approfondimento che meriterebbero. È quasi stordente veder introdurre certi temi, per poi vederli perdersi in un nulla di fatto...

Ci sono anche alcune tavole prive di parole, dove probabilmente l’intento dell’autrice era quello di lasciar parlare le immagini: in realtà, l’intera narrazione è così squilibrata e poco attenta a dare il giusto approfondimento a ogni accadimento che la stessa storia d’amore tra Clémentine ed Emma risulta avere un peso esagerato nelle vite delle due ragazze, visto che noi non vediamo che la passione iniziale, senza lo sviluppo e la maturazione che darebbero senso al finale.

Tutto questo condito con dei toni melodrammatici che sfiorano il ridicolo, come quando il primo fidanzato di Clémentine, in ginocchio, le si aggrappa addosso, implorandola di non lasciarlo. Quest’idea, che pervade un po’ tutta la graphic novel, dell’impossibilità di vivere senza quella specifica persona al proprio fianco come sinonimo di aver trovato il “vero amore” l’ho trovata piuttosto inquietante: non vedo niente di positivo nel non riuscire a superare il fallimento di una relazione...